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Marian Venceslá: Un juego naíf de contrastes y ‘arte ligero’ a golpe de trazos

Entrevistamos a la ilustradora albaceteña, que en los últimos meses ha recreado iconos albaceteños como La Bicha de Balazote o la polémica rotonda ‘Atmósfera’.

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En la mayoría de ocasiones, cuando pensamos en talento, nuestra mente viaja a otros lugares. Grandes capitales, lugares famosos del mundo, ciudades de renombre, lugares “con mucha clase”. París, Madrid, Berlín, Roma… Nuestra mente sube en primera clase a un avión, despega y recorre todo el mundo para encontrar “La cuna del arte”. Como algo que está lejos, muy lejos.

Pero es que, realmente, no habría habido que despegar. Porque no hay mayor cuna del arte que la que nos arropa cuando somos niños, ni nada en una geografía que predisponga en mayor o menor medida para el talento. En una localidad pequeña, como es nuestro Albacete, también han nacido y nacerán creadores talentosos, llenos de ideas innovadoras y que, cada uno a su propio modo, esculpen la realidad y nos hacen reflexionar sobre ella. Y es importante darles voz y apoyo, conocerlos a ellos y a su obra. Porque arte son ellos. Arte es lo que hacen. Arte es en lo que convierten nuestra ciudad.

Es domingo y pasan las seis de la tarde de un día alegre, soleado. En la puerta de El embrujo de Granada espero a una chica con una gran sonrisa y un jersey amarillo. Su nombre es Marian Venceslá. Pero no llega sola. Bajo el brazo, le acompaña una gran carpeta. Y, en la mochila, numerosos cuadernos. Dentro habitan sus creaciones, que trae para enseñármelas. Para enseñároslas. Y para, juntas, conversar sobre su arte.

Marian terminó de estudiar Bellas Artes en Cuenca, en el año 2016. Desde entonces, ha trabajado sobre todo en Diseño Gráfico. Un día decidió apuntarse a un concurso de fotografía del Instituto Europeo de Diseño. Y así, ganó una beca para poder estudiar Fotografía en la capital de España.

Tras Cuenca y Madrid, por su vida pasaron otras tantas ciudades del mundo. Amberes (Bélgica) fue su hogar durante tres años. También ha estado en Nashville (Tennessee, EEUU), donde trabaja su pareja. Ella aprovechaba sus estancias allí, entre idas y venidas a EEUU, para dibujar. Ahora, tras otra temporada en Madrid, ha vuelto a Albacete, la ciudad que la vio nacer. Y ella intenta reencontrarse con la ciudad y darle una identidad por medio de sus ilustraciones.

Durante años, trabajó haciendo encargos de fotografía, pero ahora ha decidido volver de nuevo al diseño gráfico y a la ilustración. “Lo veo como un conjunto, creo que en realidad si tienes inquietudes creativas acabas tocando muchos palos. Y, ahora mismo, estoy centrada en la ilustración. A día de hoy me hace ilusión tirar por ese camino”, explica Marian.

Aquí, es también profesora de Diseño Gráfico, impartiendo cursos para personas en situación de desempleo. La faceta fotográfica, cuenta, está ahora mismo en un segundo plano. “He hecho muchas cosas y he vivido en varios sitios pero, en conclusión, ahora mismo estoy en Albacete dibujando. He vuelto a la ilustración, que es realmente donde empezó todo“, sintentiza.

Nos presentamos, nos sentamos la una al lado de la otra y, al amparo de un café y un té, ella me cuenta su historia. Yo pregunto, ella explica lo que hay tras la lámina. Y así, durante un par de horas, tengo el placer de bucear por el arte versátil, ligero, divertido, naíf y ‘juguetón’ de Marian Venceslá.

PREGUNTA – Marian, tú te has formado como fotógrafa y has trabajado de ello durante mucho tiempo. ¿Por qué decides, en esta época, ‘aparcar’ la cámara y centrarte en dibujar?

RESPUESTA – Porque yo creo que hay cosas que se pueden transmitir con fotos de una manera mucho más intensa y otras cosas que es mejor contarlas por medio de la parte más gráfica. Es otro tono distinto. Ahora mismo estoy investigando en la parte de la ilustración y creo que, además, es algo muy agradecido.

La fotografía es mucho más performática por lo general, tú vas con la cámara a captar el momento. Sin embargo, la pintura y la ilustración yo creo que son algo mucho más reflexivo, de probar varias veces. Haces un dibujo, lo haces de otra manera, lo vuelves a probar… y al final acabas trabajando más pero tal vez puede que te acerques más a lo que buscas. Tal vez dé mayor libertad porque hay menos restricciones. Cuando haces fotografía tú dependes del espacio, de la luz… son condiciones que tienen que estar ahí y tú las modificas.

P – ¿Y de qué factores dependes cuando trabajas en ilustración?

R – Cuando haces un dibujo, dependes de factores similares a los que contemplas al trabajar en fotografía, como puede ser la idea. Pero, además, influyen también otras cuestiones como la técnica. Aunque tal vez, como decía, haya menos restricciones en el dibujo porque te permite modificar aspectos de la realidad que con la fotografía no podrías.

P – ¿Qué aporta a tu trabajo el haber trabajado en diseño gráfico?

R – El diseño gráfico es la parte más técnica de hablar del lenguaje visual, de la composición, del color, de cómo utilizar las imágenes de una manera que transmitan lo que quieres. Creo que aporta la parte más técnica de composición y color.

P – Y para terminar con tus otros trabajos, ¿crees que te enriquece en tu faceta de ilustradora el trabajar dando clases de diseño gráfico?

Actualmente soy profesora de cursos para personas desempleadas, y creo que dando clases es, en general, como más se aprende de todo. También trabajando, pero dar clases es distinto. Yo cuando doy clases intento transmitirle a la gente lo que yo sé y que me ha costado muchos años aprender, y es como ‘reaprender’ o volver a pensarlo todo.

Además, es muy gratificante ver la evolución. Este año en concreto, mis alumnos ‘cracks’ y muchos han entrado a clase con mucho nivel. Es gratificante porque los ves trabajando desde el primer momento, ellos van completando conocimientos con algunas herramientas o recursos que yo les explico. Es una labor muy agradecida, la verdad.

P – Y, para empezar con tu trabajo de ilustración: ¿Cómo te inspiras para dibujar? ¿De dónde nacen las ideas de tus dibujos?

La inspiración viene de la propia vida. Las ideas que van surgiendo son cosas que, la mayoría de veces, han sucedido o han estado delante de mí. O al menos son cosas parecidas. De alguna manera, yo lo único que hago es contarlo. Ese es el trabajo del artista. A lo mejor otro artista en la misma situación habría visto una cosa completamente diferente. Si la misma historia de una película de Lars Von Trier la contara Almodóvar, probablemente no tendría nada que ver. Pues eso no pasa solo en el cine, ocurre en cualquier medio. La realidad pasa por el filtro del carácter del creador.

P – ¿Consideras que tienes una técnica y un estilo identificativos como propios? ¿Cuáles serían sus rasgos

R – No me gusta ceñirme a una técnica en concreto, creo que la técnica debe ir supeditada a las necesidades del mensaje que pretendo transmitir. La técnica va cambiando según la obra pero sí es cierto que el estilo es el mismo. Puede ser más cómico o más poético pero mi intención es que se reconozca que los dibujos son míos.

En cuanto a mi estilo, no sabría decirte cuáles son exactamente los parámetros que lo definen. Creo que eso es mucho más fácil para una persona que no eres tú que para ti mismo, porque tú lo haces sin querer. La gente me suele decir que mi obra es naíf y que tiende a la sencillez más que a lo sobrecargado. Además, intento generar contrastes y descontextualizaciones que creen situaciones divertidas, humorísticas, como un poco de “humor negro”, pero siempre desde un punto de vista divertido y positivo.

P – ¿Cuáles dirías que son tus referentes artísticos?

R – Me gustaría mencionar principalmente a tres. Por un lado está David Hockney. Me gusta mucho la forma en la que representa. Es una persona muy analítica pero como con muy pocos prejuicios y tiene una forma de representar escenas cotidianas que realmente aporta algo desde el punto de vista pictórico al margen de la fotografía. Parte de su obra fue fotográfica, y realmente establece un límite bastante claro. Él hablaba de que hay cosas que la fotografía no puede representar, que solo se pueden representar por medio de la ilustración. En eso estoy totalmente de acuerdo.

'Red pots in the garden' de David Hockney

‘Red pots in the garden’ de David Hockney

En segundo lugar, destacaría a Maira Kalman. Ella se considera a sí misma periodista porque lo que hace es contar historias. Sobre todo hace relatos de cómic con viñetas en las que habla de su vida y digamos que los contenidos de estas son o bien muy filosóficos o bien muy naíf. Hace ese contraste entre en una página preguntarse sobre la existencia y, en la siguiente, está pintando a su perro leyéndose un libro. Es un sube-baja de lo profundo y lo cotidiano.

Portada de New Yorker (8 de abril de 1996), de Maira Kalman

Por último, incluiría en esta lista a Sempé. Lo recuerdo desde que era pequeña porque es un ilustrador de libros infantiles y me gusta mucho su estilo. Él tiene una línea muy suelta. Es el ilustrador de los libros de El Pequeño Nicolás. Es como que refleja un lado de la vida muy amigable, muy agradable. Y pinta mucha gente en bici como imagen de la felicidad.

'Le petit Nicolas prend l'avion', de Sempé

‘Le petit Nicolas prend l’avion’, de Sempé

P – ¿Cómo construye ese toque divertido que tienen muchas de tus obras? ¿cuál es el mecanismo?

R – Para darle ese punto de mi obra, lo que hago es que suelo intentar identificar un mensaje un poco “picante” en una situación cotidiana. Y, sobre todo, eso lo encuentro a través del choque, creando contrastes de significados.

P – ¿Y por qué ese toque naíf?

R – Eso lo hago sin querer, porque yo soy así. Creo que es una forma de transmitir. Agnès Varda, la cineasta, decía que los artistas pueden ser gente muy intensa que transmite cosas muy profundas o también existe la opción de ser un persona que ve la vida de una forma más ligera. Creo que esa actitud naíf tiene que ver con eso, con alejarme un poco de la intensidad.

P – Marian, en tus ilustraciones destaca un elemento que se suele repetir: una figura con la careta Mickey Mouse. ¿Quién es ese Mickey? ¿Quién hay debajo de la máscara?

R – Mickey es un icono descontextualizado en la forma en que yo lo utilizo. No se trata del Mickey Mouse verdadero, sino la persona incógnita y desconocida que se esconde dentro. No sabes si es mayor, joven, si está enfadado…

Me gusta mucho ese icono descontextualizado para plantear el mensaje desde un lugar extraño. Es como jugar con ese icono pop infantil tan importante para mi generación. Tiene ese punto de personaje extraño porque al final en los dibujos se reconoce perfectamente que ese icono está descontextualizado, y eso genera una inquietud que creo que es interesante plantearse para el personaje.

P – Desde que llegaste de vuelta a Albacete, has comenzado a mostrar nuestra ciudad en tus ilustraciones. ¿Cuál es el motivo?

R – Creo que, después de tanto tiempo fuera de casa, necesitaba reecontrarme con la ciudad, y una manera era dibujándola. Además, creo que Albacete es una ciudad que todavía está en búsqueda de su identidad. Se está construyendo todavía. Y la gente está deseando que exista algo con lo que se pueda identificar. Me gusta intentar acercarme a algunos iconos de la ciudad para conectar con la ciudad y con la gente. Al descontextualizarlos y ponerlos en otra situación, creo que cobran carácter.

P – Hablemos sobre algunos de esos dibujos de Albacete, Marian. ¿Cómo nacen tus divertidas versiones de la Bicha de Balazote?

R – Esa realmente nace como una broma. Surgió porque el novio guiri de una amiga era muy guapo y, por hacer la broma, nació la idea de caricaturizarlo como la bicha de Balazote. Después, hice también otra versión inspirada en mi propia pareja. ¡La gente sabe perfectamente que la figura del hombre representado en la Bicha es todo un icono de belleza, como una esfinge poderosa del mundo ibero! –ríe-.

P – En otra, muestras a un hombre de Mickey Mouse en el Parque Abelardo Sánchez al lado de una señora. ¿Cómo nace esa ilustración?

R – Es una escena que vi con mis propios ojos en el parque. Me gustó la idea porque creo que hay una confrontación directa de que lo que ves realmente es un disfraz. Y te puedes imaginar cómo es la persona dentro del disfraz por cómo es la persona que le acompaña, y esa persona ni siquiera se ve muy bien tampoco, está un poco difuminada. Pero realmente no lo puedes saber a ciencia cierta. Realmente no tiene nada que ver con el cliché de Mickey Mouse: probablemente sea una persona mayor, de piel oscura, está en la sombra…

P – Tu ilustración de la polémica rotonda Atmósfera de Quijano, Noguerol y Rivas también ha tenido muy buena acogida en las redes sociales

R – Sí, en esa lo que hice fue redimensionar la rotonda respecto al entorno para generar contraste y darle un toque como grandioso, monumental. La idea de por sí ya genera contraste porque una rotonda normalmente es una cosa de baja estofa. Identificarse en una ciudad con una rotonda es casi gracioso. La idea es convertir algo bastante residual de una ciudad, como es una rotonda, en algo muy monumental por medio de la perspectiva, los colores… El efecto que genera es gracioso porque conviertes en icono algo con lo que nos cruzamos todos los días. Y la Minnie Mouse en bicicleta representaría al propio espectador, o a mí misma, mirando sorprendida la solemnidad del momumento.

P – Marian, ¿cuánto tardas aproximadamente en realizar una de estas ilustraciones? ¿Es un proceso largo?

R – Lo cierto es que siempre intento terminarlas lo más rápido posible. Intento que no se alarguen mucho porque, si dejo que pase el tiempo, la idea va cambiando en la cabeza y ya no funciona. No siempre se puede hacer muy rápido, pero yo intento que no “se le pase el arroz” a cada dibujo.

Alguna vez lo que me ha pasado es que si un dibujo o proyecto se ha retrasado demasiado en el tiempo, al final lo he acabado dejando Es como que pierde el sentido.

P – Como decíamos antes, trabajas una gran variedad de técnicas, siendo dificil -si no imposible- encasillarte en una concreta. ¿Has trabajado también la técnica realista?

R – Sí, tengo algunos dibujos de escritores que me gustan. El retrato es un homenaje, no tiene más. Y es un poco realista porque mi idea era que se reconocieran bien y el detenerme en los rasgos. Pero no son ilustraciones que yo ponga en mi porfolio porque son más bien una especie de homenaje personal.

La fotografía de Murakami en la que me inspiré para el dibujo, por ejemplo, es buenísima. Es una fotografía en blanco y negro en la que sale con su gato y el retrato es brutal. La obra ya está ahí antes de que yo ponga el lápiz en el papel. Estoy homenajeando al autor y, en realidad, al fotógrafo también. Yo suelo intentar, cuando uso una base fotográfica muy evidente, ser yo misma la que toma esa fotografía. Así siento que tengo todo el control de la idea, desde su germen.

P – Háblanos de algún dibujo en el que se vean otras ciudades como, por ejemplo, Madrid.

R – Pues este, por ejemplo, del Parque de Atracciones de Madrid. La primera versión de ese dibujo la hice hace diez años y la regalé. Decidí repetirla porque sabía que no la iba a volver a ver nunca más, porque no hice una foto ni nada. Como me gustaba mucho, decidí repetirlo. Es una viñeta con un poco de realismo mágico porque hay un bosque muy frondoso de árboles, que es la Casa de Campo en realidad. Y de repente, en medio, hay una montaña rusa. Al dibujarlo esta sensación mágica se acentúa mucho.

Utilicé, en este caso, la técnica de tinta sobre papel de arroz porque genera unos efectos muy caóticos. Una gota de agua manchada de tinta se traduce en una mancha que parece que explota. Se extiende mucho hacia los lados y se crea una nebulosa de árboles. Y en medio un dibujo a línea mucho más controlado de lo que es la estructura de la montaña rusa. Y con la línea roja, que encima lo resalta.

 

P – ¿Podrías hablarnos de alguno de tus trabajos en diseño gráfico?

R – Pues, por ejemplo, estuve trabajando en la portada de un disco llamado ‘Versa’, del grupo Teyata. La guitarrista era amiga mía, y me invitaron un día a asistir a un ensayo para recabar inspiración para las ilustraciones. Mientras escuchaba en silencio, reflexionaba sobre varios de los títulos de los temas: ‘Fly’ y ‘Empty Swimming pool’. Y me di cuenta de que, colgando de una lámpara del estudio, había unas pajaritas de papel. Y se me ocurrió hacer el diseño de las pajaritas volando de la piscina vacía, llegando hasta lo alto de una montaña. Era lo que me inspiraba su música.

El segundo disco, cuyo diseño gráfico también trabajé, se llama Leipzig, que es donde mi amiga estaba viviendo cuando compuso las canciones. Me mandó una serie de fotos que tenía ella de su casa y de los alrededores. En una aparecía una habitación con sillas y la tomé como referente. En este caso, me fijé más en mi propia sensación. Cogí el referente de la silla y luego mi actitud escuchando el CD cuando me enviaron las pistas. En realidad, la imagen que más clara tenía en mi cabeza era verme a mí misma buscando el aislamiento completo para tratar de meterme en la música, me pareció tan guay que dije: ¿cómo puedo hacer gráficamente con la silla eso?

Probé también a hacer dos sillas para que no diera una sensación triste, pero no funcionó, cambiaba completamente el sentido. Yo quería transmitir una sensación de disfrutar de la música en soledad, pero no en un sentido negativo.

P – Para terminar, cuéntanos la historia tras tu peculiar de la Gioconda.

 

R – Sí, quería hacer mi propia versión de la Gioconda. Aunque realmente es un intento fallido. Mi intención era que pareciera que tenía la cara de mortadela, pero no me terminó de gustar y dejé aparcado el proyecto. Creo que para que funcionara bien tendría que hacerlo más grande. La idea nace porque creo que la Gioconda es una cosa a la que todo el mundo recurre en algún momento para hacer una parodia. Yo también quería participar de esa parodia, por lo que intenté ponerle la piel de mortadela. Es un contraste entre algo súper elevado y algo muy mundano. Creo que esa mezcla entre lo elevado y lo mundando sirve para acercarse mucho a la gente, suele gustar.

Recuerda que si quieres conocer más sobre la obra de Marian Venceslá puedes consultarla en sus redes sociales o entrar a su tienda online ¡Disfruta!

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